Sfruttando il suo impatto evocativo, unito alla sua caratteristica principale, la rappresentazione della realtà, ha permesso alla fotografia di ritratto di avere il potere di influenzare il sociale.
Portrait photography: Alle sue origini, sembra che la fotografia abbia la capacità di riprodurre fedelmente la nostra immagine. Gli esseri umani hanno una relazione mistica con la rappresentazione della nostra somiglianza. È radicato nel nostro inconscio. Come poter assicurare che l’esterno di ciò che siamo è una riproduzione fedele di ciò che è dentro e che questo potrebbe essere di rassicurazione morale.
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Nella realizzazione di un ritratto, non possiamo dissociare l’atto dalla sua intenzione. Ci sono tre elementi in gioco: il fotografo, il soggetto e gli spettatori. Questi tre fattori cruciali nella ritrattistica agiscono in armonia l’uno con l’altro, trasmettendo ciascuno la forza dell’altro; credere che l’uno non influenzi l’altro è negare l’unione viscerale che li lega.
Una rappresentazione della nostra somiglianza
Con l’avvento della fotografia, il primo genere a fiorire è stato il ritratto nella forma della Carte de Visite che fungeva anche da biglietto da visita. Il ritratto è diventato non solo una rappresentazione della nostra somiglianza, ma anche una garanzia del nostro status. Un biglietto da visita che potrebbe garantire la nostra persona. Tuttavia, il fatto che la macchina possa rappresentare la figura che le sta di fronte con una distorsione soggettiva minore rispetto a un dipinto non significa, in alcun modo, che non ne influenzi l’impressione.
Il problema più grande, forse, con il concetto di riproduzione fedele è che la fedeltà non può essere trasmessa senza l’aiuto o lo svantaggio del simbolismo. Perché (nel bene e nel male) viene manipolato e incanalato in base a ciò che vogliamo trasmettere, o ciò che ci è concesso dire, e nel peggiore dei casi, ciò che gli altri vogliono dire di noi.
Lo sfondo e gli ornamenti con cui ci adorniamo così come il palcoscenico per la rappresentazione sono scelti con cura; segnalano parte della nostra personalità. È di assoluta importanza che il soggetto committente si veda riflesso e si senta rappresentato, spesso ottenuto attraverso l’uso di indizi visivi. Questo è valido ancora oggi.
È importante in questo senso studiare, ad esempio, il lavoro del rinomato Studio Lutterodt, che operava nella Gold Coast, l’attuale Ghana, nel 1870 i cui dipendenti lavoravano come fotografi itineranti lungo le coste dell’Africa occidentale. Il loro ampio lavoro ha catturato la diversa vita costiera, libera dagli stereotipi creati dai bianchi.
Possiamo scegliere ciò che proiettiamo all’esterno ma, in realtà, siamo macchine complesse di emozioni più profonde. Pertanto, è impossibile rivendicare una comprensione completa e profonda di una persona semplicemente dalla sua immagine bidimensionale.
Vedere è credere
Sfruttando il suo impatto evocativo, unito alla sua caratteristica principale: la rappresentazione della realtà. L’intreccio di queste abilità ha permesso alla fotografia di ritratto (e gli permette tuttora) di essere un mezzo fluido che ben si presta a diverse esigenze. All’inizio del 1900 alcuni fotografi avevano il compito di documentare le condizioni di vita delle persone. I potenti ritratti che sono emersi dal loro lavoro sono una testimonianza di prosperità e mostrano il potere della fotografia come veicolo per il cambiamento. Dorothea Lange , una fotografa americana, è stata incaricata di documentare la difficile situazione degli agricoltori americani durante la Grande Depressione dalla Farm Security Administration.
Il suo iconico ritratto della Madre Migrante è diventato il simbolo della crisi di quegli anni. Florence Owens Thompson, la donna ritratta nella foto, aveva solo 32 anni e aveva sette figli da sfamare. Nella sua espressione possiamo vedere la travolgente carica emotiva e, in un momento di simbiosi, sentiamo il suo dolore.
Il sociologo e fotografo americano Lewis Wickes Hine ha documentato il lavoro minorile illegale nei cotonifici del New England. Lo stile fotografico nei suoi primi giorni era solitamente tecnicamente curato in riferimento alla storia dell’arte, mettendo in scena con cura l’uso di luci e ombre. La realizzazione di queste foto è un superbo esempio di fotografia. Anche se in queste immagini vengono curati i dettagli tecnici, a causa delle condizioni precarie in cui sono state scattate le foto, i risultati sono impressionanti. C’è un’intenzione diretta da parte dell’autore di mostrare la realtà delle condizioni in cui hanno lavorato. Tuttavia, la sua fredda esecuzione e la sua franchezza non possono che commuovere lo spettatore e trasmettere il messaggio.
“È evidente che la grande economicità e l’universalità delle immagini devono esercitare un’influenza potente, sebbene silenziosa, sulle idee e sui sentimenti delle generazioni presenti e future.” Frederick Douglass
Il rapporto con il soggetto
Abbiamo quindi stabilito che se il messaggio è raccontato con attenzione ai dettagli può commuovere le coscienze e cambiare il corso della storia. Il punto di vista del fotografo stesso gioca un ruolo decisivo nella rappresentazione dei suoi soggetti. Tra gli anni ’40 e ’70, durante il Civil Rights Movement, uno dei fotografi più influenti fu Gordon Parks , fotografo per Life Magazine. Non solo fotografo, ma anche regista e poeta, Gordon Parks aveva la dialettica di un maestro delle arti a tutto tondo, che poteva trasmettere un messaggio forte e clamoroso attraverso il suo lavoro. Perché lui stesso stava vivendo l’ingiustizia che stava fotografando; le sue foto sono diventate una voce potente che ha parlato a molti.
Parks (proprio come i primi fotografi) conosceva l’importanza dell’intersezione nel linguaggio visivo tra la pittura e la fotografia. Quando ha creato l’immagine “American Gothic” , la signora ritratta era Ella Watson, che ha lavorava presso la squadra di pulizia nell’edificio della FSA, essa ha rappresentato la spina dorsale della società americana. Ricreando quella stessa sensazione dal dipinto di Grant Wood, Parker riscrive la narrazione su chi è il vero pilastro della società. In questo caso, una rappresentazione fedele dei diversi strati della società è data dal narratore, che è direttamente toccato e coinvolto nella propria storia. Gli ultimi e i meno riconosciuti sono quelli a cui si possiede di più.
Quando il fotografo é collegato personalmente con i propri soggetti, c’è un livello di intimità che è innegabilmente più profondo. La consapevolezza di ciò che la fotocamera sta registrando e che sei parte della storia non è sempre una linea chiara per il fotografo coinvolto.
Antonio Barboza è stato uno dei fondatori di un collettivo di artisti neri, il Kamoinge Workshop , il Laboratorio di Kamoinge, con sede a New York nel 1963. I membri si incontravano regolarmente per discutere del loro lavoro; questa pratica ha contribuito ad alzare la voce collettiva e ogni partecipante con il proprio stile. Essi hanno sviluppato un corpo di lavoro distinto che è un segno cruciale nel modo in cui il gruppo ha registrato una parte travisata della società. La pratica di confrontarsi e discutere collettivamente del lavoro dell’altro ha aiutato a rafforzare un’estetica mentre sviluppava una narrazione avvincente, consolidando una visione ed elevando il loro messaggio.
“Quando faccio un ritratto, faccio una fotografia di come quella persona si sente per me; di come mi sento per la persona, non di come appare. Trovo che, affinché i ritratti funzionino, devono creare una connessione mentale come oltre che emotivo. Quando lo fanno, so di averlo”. – Antonio Barbozza
Il terzo fattore decisivo, quindi, è il pubblico. Il destinatario finale di un’immagine è il consumatore, che interpreta e risponde di conseguenza. Infine, fotografi e spettatori potrebbero essere i meno connessi in questa relazione. Tuttavia, un fotografo fa parte della società e per questo, sta cercando anche di dargli un senso.
È in questo momento che il soggetto cerca di riprendere il controllo dell’immagine che gli verrà scattata. Siamo tutti consapevoli che sarà visto. Il giudizio è ciò che terrorizza molti. Non importa se il pubblico è la propria famiglia o l’opinione pubblica. La lotta per trasmettere chi siamo attraverso un’immagine è una sfida per tutti. Ci può essere una grande discrepanza tra chi siamo e cosa progettiamo. Per molti personaggi pubblici, indossare una maschera fa spesso parte del lavoro ed essi abbracciano questa condizione per diventare un personaggio.
Nel corso della storia, abbiamo assistito a tentativi negativi da parte dei potenti di controllare la propria immagine in cui spesso la persona incaricata di creare la loro rappresentazione non può fare a meno di mostrarne l’essenza.
Yousuf Karsh è stato descritto come “Uno dei più grandi fotografi ritrattisti del 20° secolo“ . Rifugiato dal genocidio armeno negli anni ’20, si trasferì in Canada dove suo zio gli insegnò la fotografia. Per essere in grado di catturare l’essenza di un personaggio nel suo lavoro, Karsh , non ha mai colto di sorpresa l’argomento. Invece, ha sviluppato una profonda conoscenza dei soggetti e della loro storia, attraverso ricerche condotte in anticipo. Era sua abitudine parlare con tutti loro prima di un servizio fotografico.
“Se ci riesco, il ritratto dovrebbe dire non solo che X ha una mascella pesante e Y palpebre cadenti, […] dovrebbe trasmettere il messaggio che qui abbiamo un uomo di forza di volontà, determinazione ferrea, determinazione, che qui è un uomo premuroso, forse calcolatore, forse attento che pesa e medita prima di prendere una decisione.“. Yousuf Karsh
Abbiamo visto tutti la famosa immagine di Che Guevara di René Burri Questa è una di quelle foto che hanno fatto la storia. Burri era in missione per la rivista Look con un giornalista americano. Durante il colloquio, Burri ricorda:
“Non mi ha mai guardato una volta, il che è stato straordinario. Mi muovevo tutt’intorno a lui e non c’è una sola fotografia in cui appaia guardando la telecamera”.
In questo caso, il soggetto era così intensamente concentrato su ciò che stava facendo che non c’era intervallo tra ciò che era e ciò che sceglieva di ritrarre di sé. Forse non sentiva il bisogno di costruire una persona poiché era veramente ciò in cui credeva. Il fotografo non doveva scoprirlo, doveva solo osservare e registrare. Che Guevara era un libro aperto.
Se l’obiettivo del fotografo nella ritrattistica è capire meglio chi ha di fronte; per raggiungere questo traguardo, egli verrà sempre per primo. Sono loro, ancora la forza principale, dietro un’immagine.
Ma è verità? C’è una certa immediatezza nella ritrattistica. Forse viene dal fissare la telecamera o dall’uso dell’illuminazione o dall’atmosfera durante il servizio fotografico. Questi sono tutti fattori che influenzeranno il risultato. Un ritratto mostrerà sempre ciò che il fotografo vuole che vediamo, ciò che il soggetto vuole che vediamo o, in definitiva, lo spettatore vedrà ciò che vuole vedere. Se rompiamo la fiducia, cioè credere alle sensazioni che una foto evoca in noi, allora la fotografia diventa una pratica pericolosa.
Elisa Parrino Rensovich (Fonte Lomography)
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